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Lo Mejor de la Danza

Este blog tratará de mostrar todas las manifestaciones de gran calidad en el arte de la danza.

LA IMPORTANCIA DE TENER UN SISTEMA EN LA COMPOSICION COREOGRAFICA

QUE ES EL ARTE

En estos días estamos reunidos para intercambiar ideas y propuestas acerca del arte de la Danza en todas sus formas. Pero… ¿qué es el arte?

Podríamos enunciar un sinfín de definiciones que voy a obviar hoy porque seguramente las conocen o cada uno de ustedes tiene su propia definición, idea o sentimiento sobre el tema. Y prefiero contarles qué es para mí el arte: es una ventana. Sí, porque si no tuviésemos reseñas, historias o libros que cuenten lo que nos pasó como conjunto social, podríamos darnos cuenta de ellos a través de las obras de arte.

En el Arte el hombre ha dejado impreso sus alegrías, sentimientos, dolores, frustraciones y deseos.

LA DANZA EN EL ARTE

La Danza, manifestación primera, básica del hombre con el tiempo se convirtió en teatral Algunos autores consideran que la Danza nació como la primera forma de lenguaje del hombre para comunicarse con el otro, hasta que con el tiempo se estructuraron los idiomas. La Danza transita diferentes formatos desde los caseríos, villorrios y fiestas populares hasta llegar a la escena del edificio artístico que es el teatro. Incluso formando parte de otros espectáculos como la ópera.

ARTES DEL ESPACIO Y DEL TIEMPO

Entonces… ¿A qué nos referimos al hablar de Arte?

Considerando modernamente al Arte tenemos dos tipos de Arte. Del Espacio y del Tiempo.

Las Artes Espaciales son aquellas consideradas las “Bellas Artes”: la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura aún cuando esta última tiene una función más específica y material que es albergar determinadas situaciones: vivienda, museos, oficinas públicas y demás. Estas Artes Espaciales se captan en un solo golpe de vista aún cuando también contienen un elemento temporal por la época en que fueron creadas.

Las Artes Temporales contrariamente se desarrollan a lo largo de un período de tiempo y dependen de aquél que las está recibiendo en un momento determinado. Es así que consideramos Temporales a la música, la poesía, la literatura.

Las Artes Teatrales, en las cuáles tenemos al Teatro y la Danza, en cambio transcurren tanto en el Espacio como en el Tiempo logrando una fusión de ambos elementos.

LOS ELEMENTOS DEL MOVIMIENTO EN LA DANZA

La Danza es Movimiento y por lo tanto, Vida. Pero ¿qué clase de movimiento? Porque cuando caminamos nos estamos moviendo, pero no forzosamente estamos bailando. Y cuando bailamos podemos incluir una caminata pero está dirigida o impulsada por otra intención que no es la de nuestra cotidianeidad.

El Movimiento es, entonces, el elemento fundamental de la Danza. Este se desarrolla sobre la base de cinco elementos.

  1. El Espacio. Que es el lugar en el que se desarrolla.
  2. El Ritmo. El Ritmo es inherente a la vida. Es la forma de sucederse y alternar una serie de sonidos que se repiten periódicamente en un determinado intervalo de tiempo, la dinámica que adquiere para su demostración. Y que puede ser tanto musical como desarrollada simplemente con ritmos que no dependen de instrumentos musicales tales como piano, violín, etc. Incluimos el batir de palmas, de tambores, etc.
  1. La Forma. Es el diseño, el dibujo que desarrollamos en ese espacio sea teatral o no. Y hablamos aquí de un diseño coreográfico porque también tenemos un diseño especial que está dado por los pasos en sí mismos, y que no nos ocupan en esta Presentación.
  2. El Grado de Energía. Nos está hablando en sí mismo de las diferentes dinámicas con las que se desarrolla una manifestación danzada. Con mayor o menor potencia, más rápidas o no. Y que nos va a mostrar una intención o manifestación del sentir de la obra. Melancolía, depresión, alegría, gozo están presentes en el Grado de Energía.
  3. Tiempo como Duración. Nos habla de lo cuantitativo de una danza. Minutos, horas, segundos. En el origen las danzas orgiásticas duraban hasta que el bailarín en su frenesí agotaba su energía. Modernamente los coreógrafos van decidiendo por imperio de la necesidad del relato, el tiempo de su obra. O por lo que les impone la duración de la obra musical sobre la que construyen el ballet.

Veremos luego cómo impactan estos elementos en la producción de una obra coreográfica.

TIPOS DE DANZA

Históricamente podríamos clasificar a las danzas en:

  1. Danzas Antiguas
  2. Danzas Teatrales Modernas

Las Danzas Antiguas a su vez tienen una subdivisión:

  1. Danzas primitivas, entre las cuáles encontramos a las

 

  1. Danzas orgiásticas: Que son aquellas que no tuvieron un propósito teatral sino la expresión del hombre de sus sentimientos y emociones.
  1. Danzas Mágicas: Que encontramos en pueblos primitivos con el objeto de influir sobre las fuerzas naturales para un logro concreto. Cacería, lluvia, cosecha, fertilidad forman parte de sus intenciones. El malambo argentino deriva de una danza celta de fertilidad de pateo de la tierra.

 

  1. Danzas Rituales: que encontramos en comunidades con una cultura más avanzada y en la que lo mágico deviene simbólico y están ligadas a cierta cultura religiosa. Y en el cristianismo, la Misa tiene muchos elementos simbólicos en su ritual.

El ya célebre HAKA del equipo neocelandés All Blacks es una danza mágica en la que ellos exponen su fuerza, su deseo de ganar a toda costa al equipo contrario y los enfrentan. Y termina siendo un Ritual ya que lo ejecutan antes de comenzar un partido. Así vemos como una Danza Mágica deviene Ritual.

  1. Danzas Folklóricas. Son características de comunidades que han dejado su vida nómade para formar pueblos o villas. Estas danzas tienen un origen anónimo y se transmiten oralmente. Muchas de ellas han aportado a los pasos del Ballet.

Las Danzas Teatrales Modernas son las que hoy tenemos ligadas al quehacer teatral. Ballet, Neoclásico y Contemporáneo. En ellas los elementos del Movimiento que hemos visto anteriormente están puestos al servicio del tema o del argumento.

ANALISIS DE LOS ELEMENTOS DEL MOVIMIENTO EN LOS TIPOS DE DANZA

Hemos visto los elementos del Movimiento y los tipos de Danza. Y veremos entonces cómo se integran estos elementos en cada tipo.

En las Danzas Orgiásticas es bastante claro que predomina el ritmo y el grado de energía no estando tan definidos los otros elementos. Por supuesto, no sabemos cómo se desarrollaban por la obvia falta de documentación de época.

En las Danzas Mágicas en cambio predominan la forma y el espacio ya que el objetivo es lograr algo de la Naturaleza o sus dioses. Por eso los intervinientes deben ser muy claros en el gesto del crecimiento de plantas, la necesidad de lluvia, la obtención de su cacería, etc.

Todavía tenemos algunas formas en pueblos que conservan en sus fiestas de cambio de estación por ejemplo, algunos rituales de danza mágica.

En las Danzas Rituales el elemento más importante es La Forma ya que es símbolo de lo que se quiere expresar. Con cierto uso del espacio a veces y ritmo, grado de energía y duración variables.

En las Danzas Folklóricas es importante el Ritmo y las Formas suelen ser ruedas, molinetes, caminata sueltos o de la mano. Con espacio, grado de energía y duración variables.

Las Danzas Teatrales Modernas se estructuran tratando de lograr un equilibrio acorde a la música, el tema o el argumento que se está narrando incorporando también la mímica para expresarse.

LA CAJA ESCENICA

Ingresemos entonces en la parte que nos permitirá tener elementos para la composición coreográfica y para hacer un análisis de obra. Lo voy a hacer pensando en el edificio teatral, sin desmerecer otros espacios de exposición.

El escenario es el universo en el que el bailarín desarrolla su relato y se lo muestra al espectador, quien se reconocerá o no en lo que el primero le muestra. Ubicado en ese mundo particular generará mayor o menor atracción sobre su espectador.

DIMENSIONES

Para esto vamos a considerar literalmente el escenario como una caja que tiene dimensiones.

  1. De adelante a atrás, de proscenio a foro, se produce “profundidad”.
  2. De costado a costado del escenario, de coulisse a coulisse se produce “ancho.
  3. De arriba abajo, de la parrilla al piso, se produce “altura”.

Esta división es perpendicular al espectador.

Luego dividiremos la escena en tres planos de igual dimensión en el sentido de la profundidad. El plano cercano tiene mayor fuerza, aunque no es el más utilizado para desarrollar danzas.

El del centro es menos intenso pero el más dinámico y donde en general se desarrollan los momentos importantes de una obra. Y por último la zona cercana al foro que es más débil.

Además consideramos la escena desde su ancho y paralelo al espectador. Así tenemos también tres planos de igual dimensión. La zona central será la más fuerte y ambos costados  más débiles.

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Por lo tanto la zona más fuerte del bailarín es el centro mismo de la escena.

Las diagonales son de gran importancia. Sin pertenecer a esta división,  las diagonales atraviesan los planos perpendiculares y paralelos al espectador, generando diferentes tipos de fuerza y conexión entre el bailarín y su espectador.

TENSION Y RELAJACION

Consideramos la diagonal de foro a proscenio y viceversa en las cuáles la que va atrás izquierda hacia adelante derecha o de atrás derecha hacia delante izquierda es la línea más dinámica. Y la de adelante hacia atrás como menos dinámica.

Luego al  mover al bailarín o al grupo vemos entonces que de foro a proscenio creamos una gran tensión respecto del espectador. Y viceversa.

Y por último la línea menos dinámica de las tres se da al cruzar el escenario de lateral a lateral, paralela al espectador.

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PLANOS

Hemos visto la división de la escena acorde a sus dimensiones. Estas en su combinación crean “planos” en los que se desarrolla la obra.

Así al sumar altura y ancho producimos el “plano frontal”.

Al unir altura con profundidad tenemos el “plano antero-posterior”. En la  Escuela Laban es denominado “Rueda”.

Por último la combinación de ancho y profundidad nos da el “plano flotante”. Es el plano del Grand Rond de Jambe en l’Air de la Escuela Clásica de Ballet y de algunos Port de Bras.

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DIRECCIONES

El bailarín es un volumen moviéndose dentro de otro. Y tiene direcciones en las que se mueve. Adelante desde su torso hacia lo que está enfrente de él. Atrás indica su dorso. Costado derecho o izquierdo son sus laterales, desde su hombro. Arriba está señalada por su cabeza. Abajo, hacia sus pies. Las diagonales serán diagonal anterior (hacia delante), diagonal posterior (hacia atrás) combinándolas con le dirección arriba o abajo.

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NIVELES

En este punto vemos los tres niveles en los cuáles puede desarrollarse una coreografía.

El nivel bajo está encontramos al bailarín acostado y llegando hasta una posición arrodillado con los brazos a nivel de los hombros.

El nivel medio muestra al bailarín de rodillas con los brazos elevados hasta verlo de pie.

Y en el nivel alto encontramos a nuestro artista de pie, en media punta o punta y en todos los saltos acompañado o no de brazos en alto.

En este sentido es importante destacar que ninguna coreografía se desarrolla solo en un nivel, ya que se compone combinando de acuerdo a los pasos y también a las intenciones del autor.

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FORMAS COREOGRAFICAS

Veremos ahora algunas formas de la composición coreográfica que se utilizan habitualmente.

SIMETRIA

La simetría” es la condición de un cuerpo de tener ambos lados iguales con respecto a un eje central. El cuerpo humano es simétrico. En la composición coreográfica la Simetría nos da una impresión de calma y se siente estática.  Y la encontramos tanto en las poses como en las secuencias de movimiento. Tenemos tres tipos de simetría: perfecta, imperfecta y alternada.

SIMETRIA PERFECTA

En este caso tenemos un grupo de bailarines en una estructura que no es simétrica en sí misma pero confronta con otro grupo similar pero invertido al primero respecto de un centro.

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SIMETRIA IMPERFECTA

Se da este caso cuando un grupo es simétrico en sí mismo, igual a derecha e izquierda con respecto a un eje central.

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SIMETRÍA ALTERNADA

En este tipo interviene el espacio y el tiempo ya que tenemos una secuencia que se desarrolla de un lado para repetirse luego exactamente igual pero del otro lado. O sea, invertida.

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PARALELISMO

Nos encontramos con el “paralelismo” cuando un grupo de bailarines en un mismo plano se desplazan con los mismos movimientos permaneciendo paralelos entre sí con el mismo dibujo corporal y espacial. Es un formato muy estático pero da impresión de unidad en el grupo.

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REPETICION

Como la palabra lo expresa, es la construcción de una secuencia de danza en un espacio determinado de compases que luego vuelve a repetirse. Es un recurso más coreográfico que expresivo.

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REITERACION

Aquí nos encontramos frente a una secuencia coreográfica que se repite pero con una secuencia diferente en el medio. Es un esquema A – B – A.

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CANON

Esta forma coreográfica deriva de la musical y es de carácter polifónico o coral. En ella uno o varios bailarines ejecutan una secuencia y luego de algunos compases la misma es repetida por otro grupo en la misma dirección y sentido pudiendo darse con varios grupos de intérpretes. Puede concluir con la unión de todos para seguir con otra secuencia. El canon es muy utilizado en la composición coreográfica dando una sensación de calma y estabilidad al espectador.

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TRABAJO SOLISTA, DUOS, TRIOS, GRUPOS.

Hemos visto hasta aquí muchos elementos que ayudan a componer una coreografía. En ella el coreógrafo decide cuántos ejecutaran los movimientos. Así tenemos solos, dúos, tríos, cuartetos y formaciones grupales. La elección del número de bailarines depende exclusivamente de lo que el autor quiere expresar y muchas veces acompaña lo que la pieza musical va dictando.

TRABAJO SOLISTA

En general es una secuencia en la cual se quiere destacar las habilidades de un bailarín, los sentimientos del personaje y suele ser de corta duración. Puede estar dentro de una obra de duración más extensa. Aunque en danza contemporánea suelen darse obras solistas de corto aliento.

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LOS DUOS

El dúo más reconocido por todos es el Pas de Deux insertado en las obras de repertorio de ballet. Y en él tenemos un esquema A – B – B – A. O sea, el dúo, el solo del varón, el solo de la dama y luego el final en dúo. Hay obras de repertorio que incluyen también una intervención grupal (La Boda de Kitri y Basilio en el 3er. Acto de Don Quijote) con trabajo de solo de otros personajes. Como vemos, el Pas de Deux nos permite combinar el trabajo solista y el de dúo.

En la composición neoclásica o contemporánea el Dúo tiene otro destino o intención, y puede darse con una o varias parejas. Su carácter es más intimista en muchos casos.

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LOS TRIOS

En este caso también tenemos ejemplos que derivan del repertorio siendo el más reconocido el Pas de Trois de El Lago de los Cisnes en el 1er Acto, y el de El Corsario. Estos son ejemplos bastante habituales. Los tríos permiten una mayor interacción entre los personajes. En muchos casos el autor puede combinar tríos y dúos en un mismo trozo de su obra intercambiando a sus bailarines entre sí.

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GRUPOS

En este caso encontramos todas las creaciones corales, de masa coreográfica. Es la tarea de cuerpo de baile. En la composición de grupos puede incorporarse también al solista, dúos o tríos cuando el coreógrafo lo decida tanto para la narrativa como para destacarlos dentro de la secuencia grupal.

TEMA Y ARGUMENTO

¿Qué es tema? Es de lo tenemos que hablar… o bailar.

¿Qué es un argumento? Es un tema desarrollado para contar una historia.

A veces en la danza solo tenemos un tema. Por ejemplo en “Los Cuatro Temperamentos”, George Balanchine hace mención a una forma de conducta a través de los movimientos que le sugirió la música de Paul Hindemith. ¿Está contando algo? No. Solo nos plantea una forma de reaccionar o se vivir los sucesos.

En cambio en el Argumento tenemos el desarrollo total de una historia. Por ejemplo, el tema en “Romeo y Julieta” es por un lado el distanciamiento entre dos familias y la relación casi imposible entre los miembros ambas. Y por el otro la historia de los jóvenes que se enamoran superando  la pelea familiar. Estos dos temas están en la narración de lo que vemos en el ballet.

Tema y argumento ligados por la historia.

El ballet clásico de repertorio se compone desde el Argumento así como las obras narrativas del Siglo XX y XXI. En cambio es más común encontrar el Tema en obras neoclásicas y contemporáneas, sin necesidad de contar una historia. Aunque Martha Graham ha sido muy exitosa narrando en sus obras modernas.

MUSICA. TEXTOS. SILENCIOS.

Estamos habituados a ver danza ligada a música. Es casi una situación natural. Bailamos la música. Sin embargo no es el único elemento a partir del cual componemos una obra. Basados en la característica “rítmica” del movimiento que es la danza podemos componer sobre la palabra, sobre un texto hablado. Y no hablo de la Danza-Teatro, que es un espectáculo de fusión sino de bailar las palabras. Incluso cuando forman parte de una obra musical. En “Sueño de una Noche de Verano” tenemos un claro ejemplo. Y en la Novena Sinfonía de Beethoven, en su último movimiento, la Oda a la Alegría. Y en tantos otros.

En varias obras que compuso Paulina Ossona, que fue mi maestra de composición, bailábamos textos de poemas combinados con la música.

En cuanto al silencio, se puede también bailar en silencio combinando luego con una obra musical. Las posibilidades son inmensas cuando hay creatividad.

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DISPARADORES. IMPROVISACION.

El disparador es el elemento a partir del cual el coreógrafo inicia la creación de su obra. Muchas veces puede ser la música. Otras es un argumento que quiere desarrollar. Otras, la exposición de secuencias danzadas aún cuando no haya una narración. Todos y cada uno son bienvenidos porque lo importante es el resultado final de la composición.

En cuanto a la Improvisación, su utilización está más ligada a la composición contemporánea en un espacio de búsqueda de cómo sienten los bailarines ciertas consignas o músicas sugeridas por su coreógrafo. Raramente llevamos la improvisación al escenario, aunque hay casos en que el creador libera ciertos trozos para que el bailarín se exprese en el momento de la función de acuerdo con su sentir. El Barroco musical fue muy pródigo en esquemas de este tipo.

DIFERENTES ACEPCIONES DEL TERMINO COREOGRAFÍA APLICADO A LA DANZA.

Hasta aquí hemos hablado de Coreografía. O Composición Coreográfica. Entendemos el término como la capacidad de crear danzas. Sin embargo en algún momento se quiso nombrar al creador como Coreautor. Sin desmerecer el término, Coreografía es el arte de crear danzas y Coreógrafo, quien las crea. Aunque literalmente el término nos refiere a la habilidad de anotar los pasos. Afortunadamente el trabajo de anotación está en manos de los Coreólogos, una tarea que fue iniciada hace varios siglos por los padres fundadores del Ballet y de la que tenemos actualmente varias escuelas, notablemente Laban y Benesh. Un gran auxilio, junto al video,  para la reposición de las obras y para el respeto del derecho de autor del coreógrafo.

PALABRAS FINALES.

Hemos visto hasta aquí un resumen de los elementos que nos permiten crear una obra de danza. Creo que son de gran ayuda para quienes estudian composición. Y quiero aclarar que, aunque una obra no se inicia pensando en planos, niveles o direcciones, estos elementos son de gran ayuda para el desarrollo de la obra y para salir de esos espacios de “bloqueo” frente al que nos encontramos no pocas veces al plasmar nuestra obra en pasos.

Espero que estos conceptos resumidos les sean de utilidad en sus creaciones.

Liliana Couto

 CID - 23303

 

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natur 12/09/2020 10:53

Es todo un arte la danza

Liliana Couto 12/09/2020 15:53

Muchas gracias. Sí, la danza en general tiene muchas exigencias físicas en cuanto a las condiciones, sobretodo en el ballet. Y también en cuanto a lo externo como la calidad del piso, el espacio, espejos, barras etc. Y todos pueden tratar porque es bueno para el espíritu. Nos leemos.